No.009 發刊日期2003.02.25
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陳曦，旭日初升的新星
- 【編輯部的話】Mel從事製作的佛教音樂
- 【樂談】新世紀新人類的音樂劇─《花嚴之歌》文殊指南圖
- 【樂評】陳曦，旭日初升的新星─ 輝煌的技巧與渾然天成的音樂性
- 【樂評】漸入佳境的長榮交響樂團─ 兼談樂團曲目定位問題
- 【新聞】
- 【專論】從《馬克白》序曲首演說起
- 來去音樂網活動看板
★本報請在連線狀態下閱讀，否則將無法正確看到圖片及版面，謝謝！
| 編輯部的話 | 楊忠衡 | |
Mel在燒香拜佛嗎？
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新世紀新人類的音樂劇
《花嚴之歌》─文殊指南圖
「蟬兒鳴 鳥巧囀 微妙音漩聞入耳聽 柔軟清淨返內洗垢朵兒……」
和南寺暨「造福觀音文教基金會」即將於二○○三年三月十九日於台北國家音樂廳，舉辦大型音樂作品─交響清唱劇《花嚴之歌》（又名：文殊指南圖）世界首演音樂會。這部作品係根據詩人愚溪原著，前北京中央歌劇院院長王世光譜曲，由江靖波指揮「樂興之時」管絃樂團，杜黑指導台北愛樂合唱團，暨女高音陳美玲、男高音鄧吉龍、男中音車炎江、女中音陳珮琪等多位頂尖獨唱家共同演出。
《花嚴之歌》是造福觀音文教基金會繼二○○一年十月十七日《霜降之歌》音樂會後，在國家音樂廳推出的第二部大型作品，開創國內宗教團體長期委託創作發表風氣，由以從事文字、音樂、美術、多媒體創作與出版廣受好評的普音文化公司策畫。以五十五段音樂，描述《華嚴經》記載「善財童子五十三參」的故事。善財童子善根深厚，受文殊教導，發大乘心，遍曆一百一十城，參訪五十三位善知識，最後遇普賢，得于功成圓滿，為後世提供一個美麗圓滿的求道典範。愚溪從事心靈文學創作已近十年，透過他對文學、藝術的深刻觀照，希望透過音樂的創作與演出，引領眾生回到心靈故鄉，找回迷失的自己。本次音樂會由國內首屈一指的陣容共同演出，相信必能帶給社會大眾一次心靈昇華的殊勝體驗。
- 主辦單位：和南寺暨造福觀音文教基金會
- 策劃單位：普音文化事業股份有限公司
- 時間：2003年3月19日， 7:30PM
- 地點：中正文化中心•國家音樂廳
- 票價：300 500 1000 （請洽主辦單位(02)2369-9836或兩廳院售票系統）
■宗教與藝術的完美結合
現代生活昂然綻放的一株奇花
「新原人」藝術「美」的創作之路
還是要從《傳燈錄》美麗的故事談起。靈山法會上，釋迦牟尼佛拈花示眾，眾皆默然，唯迦葉尊者破顏微笑。於是，釋迦牟尼佛便當眾宣佈，將正法眼藏付給迦葉尊者，於是便有了以心傳心的佛法正脈—禪宗。在現代無數宗教團體中，普音文化無疑是昂然綻放的一株奇花，默默散發暗香，期待有心人的會心一笑。
是的，佛教經典是美的、禪學哲思是美的，也只有「美」本身，最能傳遞哲思的義諦精髓。因此普音公司從十多年前誕生之刻，就選擇用「美」作為與眾生溝通的途徑。近代科技發達，人們用智識建構物質的世界觀，所知愈多、心胸愈窄，心靈愈來愈疏離人性本原。所以透過「美」（藝術）的陶冶啟發，引導現代人重新諦聽來自心靈故鄉的訊息，是普音文化純樸而宏遠的理想。
在千年前的遠古，人們就發現藝術有別於語言文字、神秘而無際的感染力。唯有透過藝術的實踐與交流，才能得到一念間天人合一的昇華境界。佛教東傳，歷經多次融合與衝激，成為文化長河中瑰麗壯闊的巨流。而佛教藝術（音樂、美術、文學）也在中國留下輝煌的成就，它們不但感動世代蒼生的心、也對整個民族的氣質與文化產生潛移默化。禪宗在中國知識份子心目中，不但是宗教，更是一門偉大的生命哲學。而這種崇尚自由、灑脫、不拘型式的哲學，可說是藝術與文學成長的沃土。至今禪宗的清靜淡雅風格，仍是中國藝術的精神主流，與西方思潮形成對比。可惜的是，歷經二十世紀紛擾，佛教雖延續了教義，卻喪失了大部份藝術創造的能力，尤有過者，甚至認為佛教為了修行清靜，是個反藝術的宗教，這是個極待廓清的誤解。
藝術是哲學的實踐、是智慧的表現，甚至整個世界、宇宙四時的繽紛變化都是大自然所創造的藝術。光明的太陽、藍天的雲彩、四季的流轉；春花、夏陽、秋月、冬雪…都是大自然的藝術，帶給人間無邊的樂趣。用美麗的心共鳴大自然的啟示，表現在美的創作，用美的形上語言作為與自然的溝通橋樑，不但是和南寺傳慶老和尚的心願，也是普音文化公司創始人愚溪先生的理念。
愚溪先生認為，經典中記載，眾藝童子所展現豐富多彩的「大千世界」，並不是人人都能感受得到，而是必須透過人們內在的德馨，才能與偉大的天地藝術相互感應。純淨的美感，來自於內在的「德行」;德行形之於外，即為「藝術」。藝術必須藉由德行使之產生光明，才能感應人們的心燈，心燈若不亮，就無法產生智慧；沒有智慧就看不到藝術，所以要點亮智慧的燈。經由德行（清淨心）調御而產生的現相，才是有利於天下蒼生的向善之聲、向上之色。以德行來調御藝術，將導引蒼生產生生命的情趣，共鳴生活的美學，帶給人們無邊的喜悅、清淨與智慧。
十多年來，普音公司即堅持這種理念，以開山拓土的心情，一點一滴持續創作新世紀佛教音樂。二○○一年更首度將大型合唱交響詩《霜降之歌》帶到國家音樂廳，展現全新的宗教藝術氣象。與民間創作方向所不同的，普音的藝術創作並不拘泥於型式與風格的執著，而朝向多元與自由方向發展，以隨緣、緣和的態度，引領觀眾無障礙的進入宗教思維的運行結構。以本次演出的《花嚴之歌》為例，其架構是描寫《華嚴經》所載「善財童子五十三參」的故事。原詩作者愚溪先生希望透過五十五首短曲，表現過去、未來、現在，人類內在對美好理想家園的憧憬。藉由經典故事，將這段追尋歷程切割成五十三種智慧方程式。智慧的文殊菩薩認為，智慧的生活即是能在這五十三種生活型態中，真正得到見識而不受囿限，一一跳脫突破，而得到完滿的生活。然而如此精奧深刻的內容，愚溪先生並不假一字闡述論說，而是全部轉化為精練的簡短詩文，化奧義於微言。萊布尼茲說：「音樂是一種形上的語言，在聆聽音樂的同時，人們默默進行著哲學思考。」這段話最能體現愚溪《花嚴之歌》的呈現方式。
在愚溪先生構想中，《花嚴之歌》描述一個美麗莊嚴的世界，猶如陶淵明筆下的桃花源，而在這萬華莊嚴的世界中生活，需要具備美善的智慧，才能自由自在地於其間參訪遊歷。這形而上的、猶如極樂世界般的遠景，也正是當下人類居住的藍色星球所企求的理想世界。人們沒有必要從新世紀宗教音樂聽到民間信仰所熟悉的簡化邏輯，這並不是愚溪先生創作宗教音樂的本意。這部作品既不刻意影響感官、也不是具象的型式音樂，它是一種共同體驗、集體思考、互動交感的過程，若用明淨的「心」去共鳴，必能得其真妙。
不管東方還是西方，在宗教思潮旺盛、影響廣披的時候，藝術一定是盛行的，如同近三百年西方藝術受基督教文化深刻影響一般。中國受到戰亂和政治因素，當代佛教藝術薪火可謂由台灣單傳，也因此普音文化跨出的腳步具有重要的指標意義。相信今日點燃的熒熒創作火炬，日後必能成為遍照的光明。
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陳曦，旭日初升的新星
輝煌的技巧與渾然天成的音樂性
文／楊忠衡陳曦小提琴，黃萌萌鋼琴
一月十五日 台北國家音樂廳
傳大藝術主辦
元月二日，我到國父紀念館欣賞北京中央音樂學院「中國少年交響樂團」的演出（俞峰指揮）。雖然不定位為正式演出團體，但演出卻有不錯的高水準。幾位獨奏的青年音樂家郎朗、楊天媧、陳曦，也都是最近廣受矚目的新銳好手。其中最讓我感興趣的是陳曦。
年僅十九歲的陳曦，2002年六月甫贏得第十二屆柴科夫斯基大賽小提琴銀牌獎。然而許多人卻是從世界杯足球賽花邊新聞得知此事。原來決賽前夕，俄羅斯隊敗給日本隊，惱羞成怒的莫斯科球迷在街頭找日本人尋仇，結果把一個中國學生誤認為日本人打傷了。這個倒楣的年輕人就是陳曦，他後來帶傷上場，仍贏得銀牌。當然，我感興趣的原因倒不是這場無妄之災；而是他在此之前已贏得多個獎項，名聲遠播之故。
國父紀念館的演出本身不算失敗，然而過程卻有瑕疵。國父紀念館是會議廳，不是音樂廳，吸音嚴重。主辦單位為樂團安裝了多隻麥克風和擴音器，結果倒楣的陳曦上場時，擴音器竟全都忘了開。結果我聽到的，自然是虛弱、模糊、乾燥沒有細節的演出。
「我當時心裡的評價只有兩個字，那就是『一般』，」我後來見著陳曦時，當面這樣告訴他：「但是聽過你的獨奏會後，卻必需為這個評語向你致歉。」
是的，陳曦的獨奏會可謂判若兩人，在音樂廳清晰的聆賞環境，我才得以聽到這個青年音樂家傑出的細膩音樂性。印象中，現場聽過而能讓我完全佩服的音樂家，陳曦是年紀最小的一位。瀟灑俐落的音樂，揮灑而出，成熟大方毫不見匠氣，真正能直鑽進人心眼裡去。
曲目第一首，很不尋常的安排了一首趙薇（中央音樂教授）《春耕樂》，這是一部「土」得很真的作品，充滿草根味的滑音和樂天的節奏，陳曦的音樂像把場景一劍畫開，從音樂廳直奔藍天白雲下的田野。當下我不禁感嘆，人們為什麼要自卑的以西方本位，直說演奏貝多芬、巴爾托克、德布西…有多難？何不回頭看看老外可有本事演奏好中國曲子麼？每個樂句都充滿千迴百轉的細節，聽聽夏漢拉成七零八落的《梁祝》，你就知道什麼才是真正的「難」。
下一曲氣氛來個一百八十度大轉，是貝多芬九號奏鳴曲《克羅采》，陳曦不但基本功紮實，音準、音色、力度掌握自如，音樂性也深入耕耘。陳曦大方地顧及整體結構張力，細節修飾更毫不含糊。伴奏黃萌萌也帶出對等寬幅的氣度，風格堂皇端正令人肅然起敬，對比強烈而不流於浮面，儼然是大師之作。帕格尼尼的《摩西主題幻想曲》又搖身幻化成充滿鬼才魅力的超技派，陳曦在一條弦上自然揮灑出多層次音色，朗朗吟唱的歌唱性，吸引聽眾每一秒注意力。炫技段落燦爛耀煌，一氣呵成毫不保留。
下半場最精采的無疑是招牌作拉威爾《吉普賽人》，這也是他與中國愛樂一鳴驚人的作品。本曲兼具風格與技巧的雙重要求，而陳曦所表現出來的說服力，只能說是「恰到好處的完美」。近代演奏者往往標榜「新個性主義」，也就是突顯某種個人特質。陳曦的演奏無論從任何角度來觀察，都是忠實嚴謹的，而在這種極度自我把持的情況下，他讓每個音符完美串聯，自行發出無法抗拒的說服力。這樣的年紀和這種程度的演出，我願意予以最高肯定和推崇。陳曦無疑又是一個值得記憶和關注的名字。（聯合電子報）
漸入佳境的長榮交響樂團
兼談樂團曲目定位問題
文／陳效真
柴科夫斯基：義大利隨想曲／安奈斯可：A大調第一號羅馬尼亞狂想曲，作品11-1／德弗乍克：G大調第八號交響曲《英吉利》，作品88／黎明：河邊春夢（早川正昭編曲）／瀧廉太郎：荒城之月（李世豪編曲）／楊三郎：秋風夜雨（早川正昭編曲）
2003年1月27日，台北國家音樂廳
林克昌指揮長榮交響樂團
欣賞過長榮交響樂團一月份兩場演出的樂迷，相信都可以感受到樂團的明顯進步。雖然樂團約有八成女性團員，可是結實、顆粒清晰的聲音，以及柴科夫斯基《義大利隨想曲》與安奈斯可《第一號羅馬尼亞狂想曲》展現大開大闔的氣魄，卻已是國內各大樂團所難望其項背。
在前場演出裡，我認為樂團雖展現出高度嚴謹的合奏度，但要真正表現出專業氣質，還需要時間磨練。但在這場音樂會裡，團員顯得更能敏銳而精準反映林克昌的手勢，雖然節拍自由，仍整齊劃一。除表現亮眼的首席鄧皓敦與打擊樂首席宮岡攝外，中提琴首席蕭寶羚在安奈斯可《第一號羅馬尼亞狂想曲》裡，也發揮自信而兼具內涵的獨奏家氣質。交響曲中，首席的斷弦意外更讓人見識到樂團紀律。國內職業樂團也曾發生這種意外，團員不但處理散漫且發出嬉笑，長榮交響樂團則是迅速接力把故障琴傳到最後排，一如訓練有素的世界名團。
演出之外，我在此對長榮的民謠交響化政策提出建言。基本上這是不錯的想法，自古有很多傑出例子。例如柴科夫斯基二號交響曲《小俄羅斯》，就是因採用烏克蘭民謠創作得名；布魯赫也以蘇格蘭旋律創作出《蘇格蘭幻想曲》，巴爾托克、佛漢威廉士更以此走出自己的創作風格。但我發現該團犯了一個錯誤：沒有分清楚「民謠」與「歌謠」的差別。「民謠」指的是沒有特定作者，口耳相傳的鄉土歌曲，長榮所演奏的諸如《望春風》、《雨夜花》到《秋風夜雨》都不算是民謠，而是近代創作歌謠。我並不反對歌謠入樂，世界不少名家都曾把當代流行歌曲當成創作素材，但是值得注意的是，作（編）曲家的創意和藝術性才是這些作品傳世的關鍵原因。
以目前長榮發表的曲目來說，除杜鳴心的編曲較有功底外，其他只屬輕音樂的編曲手法，「模仿」、「套招」的手法瞭然可辨。以二十七日曲目為例，《河邊春夢》中段完全模仿德弗乍克第九交響曲第二樂章，連移調手法都如出一輒；《荒城之月》一開始類似史特拉溫斯基《火鳥》中〈惡魔的搖籃曲〉，再來則仿柴科夫斯基管弦樂組曲與《義大利隨想曲》；蘇格蘭民謠《Auld Lang Syne》則隱然浮現貝多芬九號交響曲第四樂章…。長榮有心把歌謠升級到藝術層次立意可嘉，說不定可催生出台灣的巴爾托克或德弗乍克。不過以目前方式來看，每場安排三、四首編曲粗糙的歌謠，對聽眾沒有太大意義，也無助於台灣音樂成長。
另一衍生問題是樂團定位問題。波士頓交響是全美五大樂團之一，但是為不同聽眾族群需要，經常在某些場合冠上「大眾」（Pops）字樣演出通俗作品。這種情況很普遍，例如洛杉磯愛樂化身為好萊塢碗型劇院樂團、辛辛那提交響搖身變為辛辛那提大眾。而不同類型曲目也由不同專長的指揮演出，例如電影音樂家約翰•威廉士（John Williams）就曾擔任波士頓大眾樂團指揮，而該團音樂總監小澤征爾是不可能出來指揮《星際大戰》的。這無關哪種音樂「水準」較高，而是本來指揮專長不同，聽眾喜好也有不同，有所區分是當然的。為了適才適任，各得其所，讓不同音樂家演好專長作品，不同觀眾盡情欣賞自己喜愛的音樂，樂團與節目定位畫分清楚，豈不皆大歡喜？（聯合電子報）
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【中國】李曉蘆出任中國交響樂團首席指揮
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音樂總監與首席指揮一職懸缺一年後，中國交響樂團宣佈，聘任華裔美籍指揮李曉蘆出任首席指揮，合約期限是兩年，
每一個樂季的工作時數是十二到十七個星期。
四十四歲的李曉蘆曾經於去年六月與中國交響樂團合作，目前擔任美國東康乃狄克交響樂團（Eastern Connecticut Symphony Orchestra）與緬因州邦格交響樂團（Bangor Symphony）音樂總監。在未來兩年的任期裡，李曉蘆希望為中國交響樂團安排音樂劇演出，並且邀請美國音樂家與中國交響樂團合作。（2003年1月11日）
【美國】鋼琴家布朗寧逝世
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美國鋼琴家布朗寧（John Browning）於上個月二十六日因心衰竭在威斯康辛州的寓所逝世，享年六十九歲。
布朗寧一九三三年出生於丹佛，五歲開始學習鋼琴，十歲首度與丹佛交響樂團合作，後來在茱麗亞音樂院師從列文涅夫人（Rosina Lhevinne），是美國本土與堅尼斯（Byron Janis）、格拉夫曼（Gary Graffman）、費雷雪（Leon Fleisher）、克萊本（Van Cliburn）等人齊名的活躍鋼琴家，一九五五年獲得列文屈特獎（Leventritt Award），在國際樂壇上，布朗寧以演奏巴伯的鋼琴作品最受好評，曾經灌錄過巴伯全部的鋼琴獨奏曲。（2003年2月4日）
【美國】帕爾曼因傷暫停演出
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由於右肩旋轉肌腱破裂，破裂，帕爾曼（Itzhak Perlman）在二月初接受旋轉肌腱的修補手術，並且必須暫別舞台與指揮台至少六個星期，已經預定演出的音樂會場次將由祖克曼（Pinchas
Zukerman）代打。
旋轉肌腱破裂經常發生在棒球選手身上，而且需要一年的時間才能完全復原，不過，運弓的動作不如投球激烈，所以醫生預估帕爾曼約需六個星期到三個月就可以重新站在舞台上。（2003年2月4日）
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從《馬克白》序曲首演說起
托馬西尼 著
你也許會驚訝地發現古典音樂界還是一個樣：每當一位元音樂學神探聲稱發掘出已故大師的某些作品時，總能在業內掀起軒然大波。一位已故大師的草稿，哪怕僅僅是些蛛絲馬跡，也明顯要比在世作曲家的新作更能賺取報紙的頭條。
最近的例子是一部由貝多芬根據莎士比亞戲劇《馬克白》策劃的歌劇序曲。這部人們以為的貝多芬之作其實根本不能算是一部作品，充其量只能說是由荷蘭作曲家兼電腦程式師阿爾伯特·霍爾斯伯根基于貝多芬手稿所寫的八分鐘的兌譜或改編曲。
該工程受到媒體的熱烈歡迎。上個月，在一場誇誇其談的新聞發佈會上，美國國家交響樂團公關部宣佈樂隊音樂總監萊奧納多·史拉特金將於週二在甘迺迪中心的樂隊樂季開幕演出上指揮"貝多芬《馬克白》序曲的全球首演"。
詳細研究作品揭示了一些這條驚爆新聞的內幕。演出應該稱作"貝多芬為《馬克白》所著草稿的供演出用新版本的全球首演"。然而這些曖昧之詞並未妨礙興奮異常的史拉特金將其形容為"能有機會為世界獻上一曲貝多芬作品的首演--哪怕是再小的一份--也足以震撼人心"。他還補充道："國家交響樂團以此為榮"。
趣味相投的還有位於加利福尼亞聖何塞的伊拉·F·布利良貝多芬研究中心。"這是一部貝多芬管弦樂作品第一次在美洲大陸全球首演，"該中心理事詹姆士·F·格林說道："貝多芬研究中心因此倍感受寵若驚。"
那樂曲的重建工程究竟是怎樣的呢？廣受關注的首演又事出何因？
貝多芬曾產生過為由腳本作者海因裏希·馮·科林斯撰寫的《馬克白》譜寫歌劇的想法，並寫下若干樂思，這點無可爭議。這是幾部幾經考慮後遭作曲家捨棄的歌劇構想中的一部，包括《尤利西斯的歸來》，《巴比倫的廢墟》，《Ramlus和Remus》和《Bachus》。1827年貝多芬死後，《馬克白》本已稀少的草稿流落到三座城市--波恩，柏林和倫敦。
1997年春天，霍爾斯伯根在網上一間貝多芬聊天室與威斯康辛州曼迪遜的律師兼貝多芬迷馬克·津曼相遇。起初他們交換貝多芬鮮為人知作品的稀有錄音磁帶，還有電腦合成的貝多芬從未上演過的作品。最後他們建立了一個網站"聞所未聞貝多芬（www.unheardbeethoven.org）"。
霍爾斯伯根將《馬克白》草稿貼到了站內。音樂充其量也就不足一分鐘。然而有一位訪問者建議霍爾斯伯根比對貝多芬為D調鋼琴三重奏《鬼魂》，作品第70號之一第三樂章Largo所寫的草稿，並堅稱一些學者已經注意到了該三重奏草稿與序曲之間的相似之處。
貝多芬極有可能將捨棄的序曲音樂在後來的室內音樂中加以迴圈利用。然而這僅僅是猜測而已。但在網友建議的鼓舞和自以為是序曲原始素材的少許零碎音符的激勵下，霍爾斯伯根將一分鐘的《馬克白》序曲草稿與Largo草稿東拼西湊，添油加醋，再塞入自己的創作，於是就有了史拉特金指揮的八分鐘的樂曲。
貝多芬中心的格林先生顯然出於保持貝多芬為媒體焦點的利益對該工程熱情有加。而需要有人來指揮時，他找對了人。因為史拉特金早已在他的節目單中造就了獵奇求新的名聲。
可是演出引發了比懷疑作品是否具有任何可靠性更重要的問題。即使這些手稿比人們想像地還要詳盡，它們是否應該拿來在音樂會中演奏呢？也許沒有一個作曲家會像貝多芬那樣為自己的草稿被改編成曲而惱怒成羞，因為貝多芬在音樂結構上之步履艱難和精美絕倫無人可望其項背。
如果你要說貝多芬是有史以來最偉大的作曲家，那你的論點極有可能就是他將有機的內聚力和結構引入音樂的超人能力。貝多芬使用少量動機，通常是古怪呆板的節奏或旋律素材，或者只是音高的標示，然後從這些素材構建出整個樂章，整部奏鳴曲，甚至是交響曲，其中每個段落，每個插部均是取自原始素材。貝多芬的導師海頓也是個中高手，人們通常稱之為主題發展。莫札特在這方面就不如海頓。莫札特太適合寫歌劇了。如果有他需要勞累辛苦的作品，那通常就是一首需要主題發展的樂曲。《費加羅的婚禮》猶如行雲流水般從筆尖傾瀉而出。但至於題獻給海頓的六首絃樂四重奏則是煞費苦心，耗了不少功夫。
從作曲的這一角度出發，貝多芬優於莫札特，勝於海頓，勝於任何人。貝多芬的過人之處，也正是在當今這個缺乏公認音樂語彙的時代作曲家們殫精竭慮力圖做到的：用一些音符，動機或樂思，建構出8分鐘，18分鐘，甚至是80分鐘的樂曲，並且聽起來仍舊像一首樂曲般完整。
也許《費戴裏奧》序曲一波三折的經歷即是貝多芬思想鬥爭的結果（第四部，也是正式的序曲之前，他寫了三首序曲，雖遭己捨棄，卻是首首精彩）他知道人們通常是怎樣寫歌劇序曲的：由歌劇中的熱門旋律拼湊而成。就像羅西尼。然而貝多芬卻有意讓《費戴裏奧》序曲有著交響般的重量感，又不要因為交響般的結構顯得沉笨。最後，序曲便起到了喚起人們嚮往其後戲劇體驗的作用。
8分鐘對一部音樂作品來說數量可觀，其長度已與《鬼魂》三重奏的Largo樂章相當。而《鬼魂》三重奏，就整部作品而言（所有三樂章），無疑是貝多芬創造出無懈可擊的音樂結構又不失狂想曲與即興風格的過人能力的最佳例證。所以將霍爾斯伯根通過剪貼貝多芬擯棄的草稿而成的搪塞拼湊稱為作品，本身就是荒謬絕倫。
還有個問題。我們是否真的需要更多貝多芬的作品？現有的是否已經足夠？回顧音樂歷史長河，我們不禁要哀歎莫札特35歲英年早逝，痛惜布拉姆斯在工作室毀掉的室內樂比出版的還要多。布拉姆斯是個對自己音樂非常敏銳的人。他出版的室內樂作品儘管令人稱奇，卻絕非十全十美。由此那些毀掉的樂曲一旦出版就有可能糟蹋作曲家的名聲。那莫札特呢？在寫出了《唐璜》和《朱比特》交響曲後，你還能寫些什麼？難道我們就不能對現有的貝多芬表示敬意，然後將更多的注意力轉移到關心新作中去嗎？
國家交響樂團公佈首演消息後，史拉特金在一位《紐約時報》華盛頓作者的死纏硬磨下開始出爾反爾。"我並不想稱之為一場貝多芬作品首演。"他說道。他那突然間被逼入絕境的公關部職員在一旁手忙腳亂。一位女發言人隨即出來為史拉特金剛才的言論打圓場：這實際上是"一次聆聽經由演出現實化的貝多芬樂思的機會"。甚至是霍爾斯伯根也直言不諱說他從未想過自己的改編曲會用來現場演出："畢竟這是為網站做的。"
德高望重的貝多芬研究學者梅納德·所羅門給這場辯論提供了一些有用的見解。他說從未覺得《馬克白》序曲草稿和《鬼魂》三重奏草稿之間有任何聯繫。"無論何時，學者們總是想法設法地補全貝多芬未完成的遺作，"他說道："然而他們所作的缺乏證據，只是憑空猜測罷了。"
史拉特金強調他不會排演來路不明的作品，"不管是誰寫的"。他還補充道這首樂曲本身就已非常出色。如果人們因為音樂以外的理由無法接受，他說："那我也沒辦法。"
很自然，沒有聽過也就無法妄加評論。先聽了再說吧。《馬克白》序曲根本不是貝多芬所作，這是可恥的欺騙行徑。史拉特金只是無意間上演了一首現代作曲家的作品。如果史拉特金和他的公關部能將投入到這首疑雲重重的貝多芬作品首演中去的精力去關心一下新作，那就好了。
2002年1月，譯自《紐約時報》
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